Espace négatif et mort. Espace négatif dans la conception WEB
Non, mes amis, ne pensez pas que le vieux Bob a soudainement décidé de se lancer dans théories psychologiquesémotions. Mais d’un autre côté, pourquoi pas un sujet d’article ? Après tout, le graphisme et la psychologie humaine sont directement liés l’un à l’autre.
Mais aujourd'hui, je souhaite aborder un sujet tout aussi important : l'utilisation d'éléments environnants dans le design.
Tout artiste et designer accorde beaucoup d'attention aux détails dans son travail, mais il oublie parfois un élément très important - le négatif ou, comme on l'appelle aussi, espace négatif. Mais l’utilisation de l’espace négatif est un élément clé de la composition artistique !
Alors, faites connaissance espace négatif– c'est l'endroit autour de l'objet représenté. En termes simples, il s'agit d'un domaine qui n'est pas occupé par le contenu.
Le graphiste américain Charlie Goslin a été l'un des premiers à utiliser l'espace négatif dans ses œuvres. De nombreux designers s’inspirent encore de son travail et le citent en exemple.
La principale caractéristique du travail de Charlie Grosin était sa capacité à créer, en utilisant l’espace négatif, des éléments graphiques intéressants dotés d’une signification supplémentaire.
Un bon designer comprend que l’espace entourant un objet n’est pas moins important que l’objet lui-même. Afin de contrôler le regard du spectateur, il est nécessaire de rendre actif « l'espace négatif ».
« L'espace négatif » peut devenir autosuffisant dans une composition, rivaliser avec « l'espace positif » ou le soutenir. Cependant, dans une conception compétente, cela ne doit pas détourner l’attention du sujet principal de la composition.
De nombreux designers sont capables de créer des logos étonnants en utilisant l’espace négatif. Voici l'un des exemples les plus intéressants : le logo de l'American Architectural Center.
Il n’existe pas de règles absolues définissant un bon design. Cependant, il existe des principes fondamentaux de perception visuelle qui doivent être suivis pour créer. L’un d’eux est certainement la perception de l’espace physique occupé par un seul élément graphique par rapport aux autres éléments de la page.
Cependant, l’espace négatif ne doit pas nécessairement être blanc ou d’une seule couleur unie. Il peut contenir des transitions de couleurs fluides et même des objets d’arrière-plan.
Apprenez à voir l'espace négatif !
Pour apprendre à utiliser efficacement l’espace négatif, vous devez voir non seulement le contenu de la page, mais aussi sa signification cachée.
L'un des outils utilisés par les enseignants des universités d'art est devenu célèbre grâce au livre du professeur Betty Edwards "Dessiner avec le côté droit du cerveau". Dans l'exercice, les élèves transféraient une image à partir d'une photographie ou d'un dessin placé à l'envers.
Comme l’image était à l’envers, les élèves n’ont pas pu reconnaître l’objet sur l’image. Par conséquent, ils ont automatiquement accordé la même attention à l’espace positif et négatif. Le résultat de cet exercice a été un dessin beaucoup plus détaillé.
Voici les plus exemple célèbre avec un verre et des contours du visage. Le vase Rubin est une illusion d'optique qui, en raison de l'espace négatif autour du vase, semble être soit un verre, soit deux faces.
Larges possibilités d’« espace négatif ».
En utilisant les capacités de « l'espace négatif », vous pouvez réaliser :
- Sensations de légèreté et d'élégance de la composition.
- Se concentrer sur l’élément le plus important de la composition.
- Facilité de compréhension du texte.
- Contrôler le regard du spectateur. Par exemple, du titre à l’illustration, de l’illustration au texte.
- Transmettre un sens supplémentaire à l’œuvre.
L’illustrateur israélien utilise l’espace négatif de manière très intéressante dans ses images. Bar Noma(Bar Noma). Ses dessins sont laconiques, simples et à la fois pleins d'esprit. Il a publié un livre d'illustrations, Negative Space. Cette sélection a été publiée dans The Guardian et le New York Times Magazine.
L'espace négatif (négatif) est la zone sans image autour de vos sujets. Avec son aide, vous pouvez souligner plus efficacement les formes et les tailles, placer des accents sémantiques et même former indépendamment plusieurs composants dans la composition du cadre.
L'espace négatif est parfois aussi appelé espace blanc. Son concept est utilisé dans l’art, le design et la sculpture depuis des centaines d’années. Espace négatif dans également Il est également utile pour la photographie, car une photographie moyenne peut produire une photographie exceptionnelle.
Malheureusement, peu de photographes comprennent ce concept et peuvent le mettre en pratique. Examinons de plus près ce qu'est l'espace négatif et comment mettre à profit vos connaissances pour amener votre photographie à un niveau supérieur et obtenir des résultats intéressants.
Puisque l’espace négatif est généralement considéré comme la zone qui entoure le sujet principal de votre photo (le sujet principal est appelé « espace positif »), la définition elle-même est assez abstraite. Par exemple, sur la photo ci-dessous, l’espace positif est la feuille de la clôture, et la palissade jaune sur cette image forme l’espace négatif.
L'espace négatif définit et met en valeur le sujet principal de la photographie, le façonne - fournit une « respiration » aux yeux, évitant une surcharge importante et un encombrement de détails, effectuant une sorte de câblage du spectateur vers les objets et les détails qui doivent être pris en compte. , quelle est la chose principale sur la photo. Lorsqu’il est utilisé correctement, l’espace négatif offre un équilibre naturel avec l’espace positif dans une scène de composition. Il est assez difficile d’obtenir un tel équilibre dans la pratique, car la définition elle-même est assez subjective. Mais ces compétences peuvent être formées et avec le temps, vous vous améliorerez de plus en plus.
par Nathalie Rendu
Le cerveau humain regorge d’idées préconçues sur l’apparence des objets en termes de taille, de forme, de couleur, de texture, etc. Malheureusement, ces préjugés déforment la façon dont nous voyons la scène dans son ensemble, ce qui fait que les photos qui nous semblent bonnes ne le sont pas vraiment. La clé pour surmonter le problème est d’ignorer les objets que vous êtes sur le point de photographier et de vous concentrer sur les espaces entre et autour d’eux. Cela vous obligera à accorder plus d’attention à la composition et vous aidera à voir plus précisément la forme et la taille de votre sujet principal.
Regardez attentivement ce que vous voulez photographier et essayez de cadrer le cadre de manière à ce que les espaces positifs et négatifs soient équilibrés les uns par rapport aux autres. Soyez généreux avec la quantité d’espace blanc que vous laissez autour de votre sujet principal. Ne vous sentez pas obligé d’insérer des informations visuelles dans chaque centimètre carré du cadre.
par Octavian Andrei
Maîtriser le concept de l’utilisation de l’espace négatif prend du temps. Nous sommes tellement habitués à nous concentrer sur le sujet principal d'une scène qu'il peut paraître étrange de le traiter presque mécaniquement. Cependant, si vous prêtez attention à l’environnement de votre sujet principal et adoptez une approche plus prudente de la question de « l’air dans le cadre », cette pratique conduira sans aucun doute à la création de compositions plus fortes.
L’espace est l’un des éléments fondamentaux de l’art (avec la ligne, la couleur, la forme, la texture et la signification des couleurs). Utilisation appropriée négatif L'espace vous permet d'ajouter une dimension supplémentaire à votre photo. Dans cet article, nous explorerons le sujet de l’espace négatif, ce que c’est et comment il peut être utilisé.
Espace positif et négatif
S’il y a un espace négatif, alors il doit y avoir aussi un espace positif ? Comprendre le second permet de comprendre comment fonctionne le premier. L'espace positif est généralement appelé sujet d'une photographie : un aigle en vol, une montagne, une fleur, une personne. C'est comme un extraverti qui se met en avant, essaie d'attirer l'attention et crie : « Regardez-moi ! Regardez-moi!" Si votre regard attire quelque chose, c’est l’élément principal du cadre.
Un mur gris texturé offre un espace négatif permettant au bois de se démarquer.
L'espace négatif est introverti, essayant modestement de se cacher de l'attention et de se fondre dans l'arrière-plan. Il n'a pas besoin d'attention. Cela peut être une congère à travers laquelle perce un bouquet de verdure (le sujet, également connu sous le nom d'espace positif), le ciel dans lequel vole un aigle, un mur monotone derrière une personne ou du sable autour d'une pierre. Sur la photo du début de l'article, l'espace négatif est le ciel. Il peut passer inaperçu, mais en même temps jouer un rôle de soutien essentiel, isolant le sujet et attirant l'attention sur lui, créant l'ambiance et laissant une marge de manœuvre.
« Négatif » ne veut pas dire vide. Certainement pas! Le ciel dans lequel vole l'aigle peut être nuageux. Le mur peut être coloré ou avoir une texture. Le bokeh de l'objectif à f/2,8 peut créer un espace négatif délicat, doux et coloré en arrière-plan d'une photo de fleur. fermer ou une photo macro d'une libellule.
Cela ne veut pas dire que l’espace positif est meilleur que l’espace négatif, c’est juste différent. Il est difficile de créer une photo attrayante avec un seul élément, mais lorsqu'ils sont combinés, l'effet est époustouflant. Sans un mélange harmonieux d'espace positif et négatif, vous vous retrouverez soit avec une photo encombrée et peu claire, soit avec une photo vide et solitaire.
L'espace négatif est partout
Les graphistes utilisent constamment l’espace négatif pour souligner subtilement leurs idées. Un bon exemple est le logo FedEx. Les lettres violettes et jaunes sont un espace positif, lumineux et coloré. Ils semblent sortir de l'écran ou du papier. Ils sont faciles à repérer dans toutes les conditions. Ce logo vient au premier plan. Le fond blanc fait office d’espace négatif. Cela aide les lettres à être plus visibles. Mais regardez-y de plus près ! La zone située entre les lettres E et x a la forme d’une flèche, symbolisant une sensation de mouvement et de vitesse. L'espace négatif fait ressortir les lettres du logo Et crée une ambiance énergique et progressive.
La sculpture est un espace positif entouré de négativité. Cette dernière lui donne forme et volume. Les meubles et accessoires de la pièce agissent également comme un espace positif contre l’espace négatif des murs et du sol. Si l'intérieur est pensé, ils se combinent bien, créant un sentiment d'harmonie. Une fois que vous commencerez à regarder de plus près, vous remarquerez que l’espace positif et négatif est tout autour de nous partout où vous regardez !
Comment utiliser efficacement tout cela en photographie ?
L'espace négatif sous forme de sable apporte contraste et intérêt, mettant en valeur la pierre qui y repose.
Quatre façons d'appliquer un espace négatif
Le fond sombre fait de la tulipe le sujet principal et visible du cadre.
1. Isolez le sujet et attirez l’attention sur lui
La façon la plus courante d’utiliser l’espace négatif est d’attirer l’attention sur le sujet. Si un aigle est capturé dans un ciel clair, l’œil est automatiquement attiré vers lui. Un mur blanc derrière une personne qui marche permet de se concentrer sur elle. Lors de la prise de portraits, il est courant de s'assurer que l'arrière-plan isole le sujet. La faible profondeur de champ donne vie à la fleur au premier plan.
Dans chaque cas, l’espace négatif concentre l’attention sur le sujet. Cela donne l'impression que le sujet sort du cadre, tout en restant inaperçu.
L'espace négatif permet la liberté d'imagination. Que regarde cette personne ? Où va-t-il? Est-ce que cet aigle en plein vol chasse ? Que va faire ce loup qui court ? Qu'y a-t-il derrière cette fleur ?
L'espace négatif entouré de brouillard met non seulement en valeur le sujet, mais évoque également certaines émotions.
2. Définissez une émotion ou une ambiance
Souvent, l’espace négatif crée un sentiment de calme, d’ordre et de tranquillité en supprimant toutes les distractions. Cependant, l’utilisation de couleurs vives peut évoquer des sentiments d’énergie et de gaieté.
Il existe toute une branche de la psychologie qui étudie les réactions humaines à certaines couleurs. Les nuances chaudes - rouge, orange, jaune - évoquent des sentiments de chaleur, d'admiration, de danger, de romance, de passion et de colère. Les froids - bleus, verts, violets - nous font nous sentir frais, calmes et tristes.
Ainsi, un piéton marchant le long d’un mur orange transmet une sensation d’énergie non seulement par sa posture, mais aussi par la couleur du fond. L'orange est souvent associée à l'énergie, à l'excitation, à l'enthousiasme, à l'enthousiasme et à la chaleur.
Un sujet avec trop d’espace négatif autour de lui apparaîtra seul et isolé, mais quand il y a trop peu d’espace, cela peut provoquer un sentiment de claustrophobie.
Un mur presque monotone rend une composition minimaliste beaucoup plus attrayante.
3. Simplicité et minimalisme
Créer un espace négatif en choisissant l'angle, l'ouverture, la profondeur de champ et l'utilisation de l'éclairage peut vous aider à simplifier votre composition. Imaginez que vous vous trouvez au milieu d’un champ de fleurs sauvages luxuriantes. C'est un désordre de couleurs contrastées. Comment obtenir une bonne photo dans de telles conditions ?
En plaçant une seule fleur dans le cadre, en créant une faible profondeur de champ et en ombrant l’arrière-plan, le paysage encombré est réduit à un sujet spécifique.
La photographie de produits, dans laquelle le sujet est placé sur un fond blanc, est un autre exemple d'approche minimaliste, où l'utilisation de l'espace négatif simplifie la composition et attire l'attention sur le sujet.
4. Espace pour le texte
Si vous envisagez de vendre vos photos sur des sites de photos, sachez que l’espace négatif est particulièrement important pour les acheteurs. C'est là qu'ils placent leurs textes publicitaires, leurs titres de magazines et leurs titres d'articles. Les mots ont besoin d’espace libre. Tout comme l’espacement dans le texte améliore la lisibilité en rendant le texte moins encombré et plus convivial, l’espace autour d’un bloc de texte dans une photo lui permet de paraître lâche et invitant.
Trois mises en garde
Avez-vous entendu parler des trois mousquetaires ? Trois mises en garde concernent leurs frères les moins aventureux.
La statue de Martin Luther King est tournée vers la gauche, il doit donc y avoir un espace négatif pour que ses yeux restent concentrés sur quelque chose, et il doit y avoir un peu plus d'espace au-dessus de sa tête.
1. Y a-t-il suffisamment de marge de manœuvre ?
Nos yeux sont excellents pour suivre une direction donnée. Si le sujet regarde ou bouge quelque part, il doit y avoir suffisamment d'espace pour que le spectateur puisse imaginer ce mouvement ou ce regard.
Pensez à une personne qui fait du vélo de droite à gauche. S'il est placé sur le côté droit du cadre, il y a suffisamment d'espace et le spectateur peut facilement imaginer le mouvement du cycliste. Sinon, le résultat est que le sujet est positionné trop près de son point final dans le cadre et qu'une désagréable sensation de retenue est créée. Il n’y a pas assez d’espace dans le cadre pour représenter ce mouvement.
Faisons maintenant un portrait de profil avec la personne qui regarde à gauche. Il faut de l'espace pour imaginer où est dirigé son regard. Placez le sujet trop près du bord gauche et vous aurez l'impression que la ligne de vue est coupée.
Les rochers et les arbres ne bougent pas, mais placer la majeure partie de l'espace négatif à gauche a un effet différent de celui à droite.
2. Comment savoir s’il y a trop d’espace négatif ?
S'il y a une situation où il n'y a pas assez d'espace, l'inverse peut également se produire : il y en a trop ou il est mal situé. Personne ne sera mieux loti s’il y a beaucoup d’espace inutile derrière le cycliste ou le mannequin. Tant que vous n'essayez pas de donner à votre sujet un aspect petit, solitaire et sans importance, vous devez limiter la quantité d'espace négatif.
Une règle générale est qu’il devrait y avoir plus d’espace négatif que d’espace positif. Combien? Environ deux fois. Au-delà de ce seuil, le sujet commence à paraître sans importance. Cependant, si vous respectez la règle, vous obtiendrez un résultat agréable à l'œil.
3. Vous souvenez-vous de votre objectif ?
Avec toute votre attention sur le sujet, il est facile d’oublier l’arrière-plan et l’espace négatif qu’il contient. Lorsque vous vous concentrez sur la capture d'un sujet en mouvement, comme cet aigle, faites-vous attention à l'arrière-plan pour ne pas avoir à passer des heures à tamponner des lignes électriques dans Photoshop ? Un buffle en train de paître se démarque-t-il du fond ? neige blanche ou se fond dans la forêt derrière lui ?
Lorsque vous composez votre photo, arrêtez-vous et demandez-vous : « Pourquoi est-ce que j'utilise un espace négatif ? Est-il nécessaire de replacer ce qui se passe dans son contexte ou de l’effacer du cadre ? Vous souhaitez isoler et mettre en valeur le sujet ou montrer son insignifiance ? Créez-vous une impression de mouvement ou enveloppez-vous le sujet d’un voile de mystère ?
Vous devez être clair sur le but de votre utilisation de l'espace négatif si vous souhaitez l'utiliser comme élément de support. En plus de l'Oscar que reçoit la star du film, il existe un prix pour l'acteur de soutien. Le film ne serait pas le même sans le casting, et votre photographie n'aurait pas le même impact sans le support de l'espace négatif.
Quelle est votre façon préférée d’utiliser l’espace négatif ? Dites le nous dans les commentaires!
À partir de cette leçon, vous apprendrez les choses les plus importantes qui peuvent figurer dans une composition. Le concept d'espace positif et négatif vous permet de travailler avec n'importe quelle intrigue complexe, quel que soit le contenu du cadre et, mieux encore, il n'a pas de limites strictes. Je suis sûr qu'à la fin de la leçon, vous n'aurez aucun doute sur le fait que la composition n'est ni bonne ni mauvaise. Vous pourrez également vous assurer que toutes les règles comportent non seulement des exceptions, mais qu'elles s'intègrent, avec les exceptions, dans un système plus étendu et plus flexible, sans restrictions d'application.
Ce n'est pas un hasard si j'insiste sur le fait que la capacité à reconnaître ces espaces dans une photographie est extrêmement importante pour comprendre la composition. En fait, cela suffit à lui seul à créer un cadre harmonieux. La notion d'espace est la base sur laquelle reposent d'autres subtilités qui accentuent le cadre. Par conséquent, cette leçon deviendra la plus précieuse pour vous au cours de votre formation.
Mais avant d'entrer dans la description et l'application du concept, parlons à nouveau de la manière dont la photographie est réalisée, ainsi que des règles les plus courantes et des raisons pour lesquelles elles ne fonctionnent pas toujours.
Comment est née la photographie ou qu'est-ce que la perspective linéaire
Suivons à nouveau ce processus simple et évident. Ceci est vraiment nécessaire pour une petite conclusion à laquelle on prête rarement attention.
Commençons par les bases. Une caméra, tout comme la vision humaine, ne fonctionne que parce qu’il y a de la lumière réfléchie (ou non) par les objets. Il y a de la lumière – nous voyons. S’il n’y a pas de lumière, nous ne pouvons pas voir. Après avoir été réfléchie par n'importe quel objet, la lumière est collectée par la lentille, chez une personne - par l'œil, et frappe une surface sensible à la lumière, dans un appareil photo - il s'agit d'un film ou d'une matrice, chez une personne - la paroi arrière de l'œil . Tous les objets du monde réel, même les plus grands, sont affichés sous la forme de petites copies dessinées par la lumière sur une surface sensible.
S’il vous est difficile d’imaginer comment tout cela se produit, pensez au cinéma. Cela démontre exactement le processus inverse. Un puissant faisceau lumineux traverse un film en mouvement avec des objets réels réduits, qui forme une image sur l'écran.
Ce processus de formation d’images d’objets sur un plan est appelé perspective linéaire. Le nom n'est pas accidentel. Tout cela - la transformation d'objets réels en une image sur un plan (c'est ce qu'on appelle la perspective) est soumise à une règle simple: plus l'objet réel est proche, plus son image est grande. A l’inverse, à mesure que l’on s’éloigne, l’image devient plus petite. La taille de l'image dépend directement (linéairement) de la distance à laquelle l'objet est observé. D'où le nom - perspective linéaire.
Au moins dans Plan général vous saviez déjà tout cela, et si vous ne le saviez pas, vous pouvez maintenant être convaincu qu’il n’y a pas de secret dans le processus lui-même. Le secret réside dans la gestion de ce processus. Quelqu'un pensera probablement à différents objectifs, filtres et toutes sortes de techniques techniques, mais nous n'en parlons pas du tout.
La seule conclusion qui peut et doit être tirée est que le photographe ne travaille pas avec des objets réels, ni avec leur emplacement dans le cadre, ni avec leur apparence ni avec l'espace visible.
Le photographe travaille avec des projections d'objets réels, de petites images sur un avion.
J'attire une fois de plus votre attention là-dessus. Si vous n'y avez jamais pensé auparavant, souvenez-vous de ceci une phrase simple. Désormais, c'est « Notre Père » pour vous. Vous répéterez mentalement cela chaque fois que vous regarderez dans le viseur. Si vous avez déjà sérieusement réfléchi à cette question, soyez honnête avec vous-même et réfléchissez bien pour savoir si c'est le principe sur lequel vous partez lorsque vous concevez une photo ?
Un processus absolument identique dans son essence se produit lorsque nous travaillons avec une application. Toutes les figures volumétriques du monde réel apparaissent sous la forme de silhouettes plates découpées. Ces silhouettes sont ensuite placées sur une surface plane, la remplissant, formant une image solide. Veuillez noter que lors du remplissage de la surface prévue, nous veillerons soigneusement à ce que les objets ne se chevauchent pas de manière malheureuse, afin que les détails importants ne soient pas masqués et que les silhouettes ne soient pas perdues. Une limitation naturelle est qu'il ne sera pas possible d'insérer un nombre infini d'objets dans une seule application, car à un moment donné, tout cela se transformera en bouillie et le dessin sera ruiné. 
La photographie fonctionne selon les mêmes principes : il ne faut pas laisser certains objets gêner la perception des autres ; il faut veiller soigneusement à ce que le cadre ne « déborde » pas et ne se transforme pas en fouillis. Ne gardez que ce qui est vraiment important.
Alors, quand on parle de remplir le cadre, de son contenu, de toutes ces perspectives, volumes et projections, on ne parle que d'une chose : dans l'image elle-même, dans le cadre, dans l'image, dans la photographie (appelez-la ce que vous voulez), il n'y a essentiellement aucun objet, aucun volume, aucune profondeur, rien que nous puissions y voir. Pour un photographe, il n’existe qu’un ensemble de silhouettes, de formes, de lignes, de transitions de lumière et de couleurs. Même si vous comprenez parfaitement cela, cela ne suffit pas. Tout au long du cours, nous n'apprendrons pas seulement à le voir, nous apprendrons à le penser. Seulement dans ce sens.
Paysage, portrait, nature morte, il n'y a pas de différence. Richesse émotionnelle, charge sémantique, création d'image - autant de composants secondaires qui ne sont pas capables de créer indépendamment une image réussie. Tout commence par un travail sur l'organisation de l'avion photo. Ce petit espace bidimensionnel doit être rempli des mêmes projections bidimensionnelles. Imaginez que le monde qui vous entoure n’est rien d’autre que des affiches en carton et des images plates. formes différentes, qui sont placés autour de vous. Il vous suffit de sélectionner celui qui vous intéresse le plus et, après avoir retiré tout carton inutile du cadre, d'appuyer sur le bouton.
Si vous y réfléchissez, vous avez déjà fait tout cela. Quelque part plus consciemment, quelque part moins. Vous avez déjà eu le temps d'entraîner un peu votre main et vous voyez que les photos se sont améliorées avec le temps. Vous disposez déjà de quelques préparations et techniques, même si elles sont très peu nombreuses, mais elles fonctionnent. Il est plus ou moins clair que vous devriez photographier comme ça - et cela se passera presque toujours bien, mais vous ne devriez certainement pas photographier comme ça, car toutes ces photos sont ensuite envoyées à la poubelle. Vous connaissez déjà un certain nombre de règles qui vous indiquent quoi faire et quoi ne pas faire. Nous en reparlerons. Ou plutôt pourquoi ils ne fonctionnent pas toujours.
Nous n'avons pas vécu cela ou lorsque les règles sont fausses
Énumérons brièvement les règles selon lesquelles les bases de la composition sont enseignées. Ils vous sont sûrement tous familiers. Si ce n’est pas tout, vous n’avez besoin de vous souvenir de rien, ils ne vous seront plus utiles.
Règles de mise en page :
● ne placez pas l'objet principal au centre géométrique du cadre*
● ne placez pas le sujet principal sur le bord, près du bord du cadre ou dans un coin
● ne divisez pas le cadre en deux avec la ligne d'horizon
● ne divisez pas le cadre avec une ligne verticale
● prendre en compte la direction des formes, le mouvement, le regard
- À ce stade, une réserve est toujours faite sur le fait que dans certaines parcelles, cette règle peut et doit être négligée.
À ces lignes directrices simples s’ajoute la règle omniprésente des tiers, ou le « nombre d’or ». Peu importe comment vous l'appelez, l'essence est plus ou moins familière à tout le monde, c'est notre « grille » préférée, qui semble sous-tendre tout et tout le monde (#).
Le strict respect de la règle des tiers n’est pas toujours nécessaire. Mais ça a l'air super sur cette photo.
Quand est-ce que tout ça marche ? Dans des situations simples.
Nous prenons une tasse, la plaçons sur une table vide, pointons la caméra, plaçons la tasse dans le réticule « en bas à droite », appuyons sur le bouton et obtenons un résultat simple et concis.
Un autre exemple.
Nous sortons dans la rue, pointons la caméra vers la voiture qui passe devant nous (conduisant à droite), la plaçons quelque part sur le côté gauche du cadre, pas sur le bord, juste en dessous du milieu, appuyons sur le bouton - nous obtenons une photo ordinaire, mais « correcte ». Veuillez noter que déjà dans cet exemple, nous ne pouvons pas parler clairement du réticule de la grille, car on ne sait absolument pas quelle partie de la voiture attraper dans ce réticule.
Il existe de nombreuses histoires simples comme celle-ci qui peuvent être filmées. Et si vous disposez de matériel décent, vous êtes presque assuré de recevoir belles photos, qui n'ont pas honte de le montrer. Mais que faire quand l’intrigue n’est pas simple ?
Il existe une situation incroyablement simple et courante qui sème la confusion dans toutes ces règles. Dans toutes les formulations, nous parlons d'un certain objet principal. Et ce n’est pas de chance : l’objet principal n’est pas toujours le même.
Deux personnes, trois tasses, cinq voitures et un vélo... Selon ces règles, on ne peut rien faire avec eux. Mais imaginez cette image : en gros plan, deux cyclistes partent du point A depuis le centre du cadre dans des directions différentes, l'un lève les yeux, l'autre regarde sa montre. Le cerveau commencera à bouillir, mais selon ces règles, il ne pourra rien proposer de rationnel.
Mais la situation est pire : il n’y a aucun objet principal. Un paysage « lisse » sans parties saillantes et sans horizon (!), une configuration chaotique de nuages, une foule de gens (tout est net)… Ou voici un problème : comment supprimer le chaos selon ces règles ?
Le photographe transmet au spectateur non pas tant un paysage précis qu'une image de l'hiver, en utilisant pour cela un ensemble d'éléments équivalents
Il y a un problème que toutes ces règles ne traitent pas du tout : c'est le gros plan du plan. C'est-à-dire quelle doit être la taille du ou des objets principaux du cadre. Après tout, vous pouvez prendre plus d'une image sur la base de ces conseils, mais avec différentes échelles de l'intrigue représentée. Dans quelle direction devrions-nous aller ici ? Est-ce que c'est plus ou moins mieux ? Quel espace dois-je laisser autour ?
Et la dernière question découle de la précédente - et elle n'est pas non plus régie par ces règles. Que faire du fond ? Non seulement on ne sait pas exactement combien il devrait y en avoir, mais nous devons également décider de ce qui sera là et comment il sera positionné dans le cadre.
Ainsi, nous pouvons arriver à une conclusion logique : les règles considérées ne fonctionnent clairement que dans certains cas particuliers ; il est difficile de les qualifier de générales.
De plus, on peut aller plus loin et dire que toutes les règles plus ou moins claires en photographie ne sont pas généralement applicables et comportent de nombreuses exceptions. Cela ne veut pas dire qu’ils ne peuvent pas être utilisés. Mais il est important de comprendre que dans ce problème Il ne peut y avoir de définitions claires qui s’adapteraient à chaque histoire, sous tous les angles. Nous avons besoin d’un concept plus flexible, et c’est vers cela que nous nous dirigeons.
Concept d'espace positif et négatif
Alors, comment pouvons-nous combiner tout ce dont nous avons parlé ci-dessus en un système universel ?
La notion d'espace positif et négatif opère sur seulement trois composantes : les espaces eux-mêmes et le cadre (frame). Il convient de noter ici que ce concept s’applique à tous les beaux-arts, pas seulement à la photographie. Il est également enseigné aux futurs artistes et designers. Comprenons ce que signifient ces trois éléments et comment ils doivent être perçus.
Commençons par l'espace positif. Il s’agit de la zone de l’image occupée par votre sujet principal. En termes simples, c'est exactement ce que vous photographiez. Tout autour de l’objet principal est un espace négatif. Les deux espaces se situent à l’intérieur des limites du cadre. À première vue, tout est très simple. Mais en même temps, il faut comprendre ce qui est inhérent à cette approche et comment l'utiliser.
La première et la plus importante chose est inhérente à ce concept : il n'y a pas de vide dans le cadre. Si vous photographiez un oiseau sur fond de ciel, cela ne veut pas dire qu'il n'y a qu'un oiseau dans le cadre. Il y a aussi un espace autour, ce qu'on appelle. espace négatif qui fait partie du cadre.
La même chose s'applique à plus situations difficiles. Par exemple, si vous distinguez nettement une personne parmi une foule de personnes, elle formera un espace positif et tout le reste formera un espace négatif. Il est intéressant de noter que dans ce concept, il n'y a pas de division en plans (avant, milieu, arrière). Car, comme nous l'avons découvert au début du cours, le travail s'effectue exclusivement dans l'avion. Si les objets au premier plan et au milieu, par exemple les plans, ont quelque chose en commun dans l'intrigue, alors ils formeront un seul espace positif. Tout le reste ira dans l’espace négatif.
Les espaces peuvent être divisés en parties. S'il y a un beignet dans le cadre, alors le trou dans le beignet fera référence à un espace négatif. Ainsi, l’espace négatif sera constitué d’une grande zone autour du beignet et d’un petit cercle à l’intérieur du beignet.
L'espace positif peut également être constitué de pièces. Par exemple, lors de la prise de vue de plusieurs objets espacés les uns des autres. D'où l'absence de problèmes d'application à plusieurs objets du cadre. Dans le même temps, si les objets se touchent et se chevauchent, ils sont alors combinés en un seul espace.
Il est intéressant de noter que les plus grandes difficultés surviennent lors de la composition de portraits et de paysages. Concentrons-nous sur les portraits (de personnes). En règle générale, la plus grande attention est portée au visage et aux yeux. Leur position dans le cadre est déterminée en premier, et le reste est souvent oublié. Mais une personne n'est jamais constituée de parties séparées, elle n'existe que dans son ensemble, toutes les parties du corps apparaissent dans le cadre en même temps. Il n'y a pas de tête sans cou, d'épaules sans bras, etc. À chaque fois, nous travaillons non seulement avec une partie distincte du corps, mais aussi avec la silhouette générale, la forme et la pose. Cela ne dépend pas de la taille du plan. La notion d'espace positif et négatif nous apprend à passer du général au spécifique : définir d'abord structure générale cadre, puis travaillez sur les détails. Avec cette approche, vous n'obtiendrez jamais un cadre dans lequel une personne, visible à partir de la taille, sera en bas du cadre de sorte que sa tête s'insère quelque part dans le réticule inférieur gauche de la grille (et le reste de l'espace de la photo sera remplie d'une sorte de détritus).
Avec l'espace positif, tout est clair, c'est ce que l'on filme. Il est à peu près clair comment travailler avec cela. Reste la deuxième partie de la question : comment fonctionne l’espace négatif ?
Comment fonctionne l’espace négatif ?
Un peu plus haut, nous avons expliqué comment l'espace négatif est déterminé d'une part par les limites du positif, et d'autre part par les limites du cadre. Il serait tout à fait juste de dire le contraire : l'espace positif est déterminé par les limites du négatif et le cadre du cadre. Bref, l'espace négatif détermine l'espace positif. Pour éviter toute confusion, regardons des exemples.
La première photo est une photographie ordinaire. Sur le second, l'espace positif est surligné en noir, c'est-à-dire la place occupée par le sujet de la photographie. La troisième image montre un espace négatif (ombré en noir). Écoutez, à partir des contours du négatif, vous pouvez facilement vous faire une idée du positif.
Sur la base de ce phénomène, il est possible d'obtenir une image dans laquelle l'espace formatif ne sera pas positif, mais négatif.
L’espace négatif peut devenir un objet à part entière. Cette approche est très souvent utilisée dans la conception de logos.
Ainsi, nous arrivons à la conclusion que l’espace négatif n’existe pas seulement à l’intérieur du cadre en arrière-plan, mais participe très directement à la formation de l’image. Autrement dit, à l’intérieur du cadre, nous travaillons toujours non seulement avec le sujet, mais aussi avec son environnement. Et cet environnement lui-même remplit non seulement l'espace entre l'objet principal et le cadre, mais participe également à la formation de l'image finale qui apparaît au spectateur.
Sans oublier que tout se passe dans les limites spécifiques de la photographie, on peut dire que toute image est formée de deux parties, de deux espaces qui interagissent et se complètent.
Rappelez-vous la règle de composition qui interdit de combiner le sujet avec le bord du cadre. Maintenant, vous pouvez le regarder sous un angle complètement différent. Le problème n’est pas que l’objet soit fortement déplacé dans une direction ou dans une autre, ou qu’un petit bord soit coupé. L’intégrité de l’espace négatif est perdue, il cesse de définir les limites du positif et l’équilibre est rompu. Il en va de même pour la division du cadre par une ligne verticale : les espaces sont rompus, la connexion est perdue, l'image cesse d'être entière.
Comme vous l'avez peut-être remarqué, un est apparu mot important- équilibre. Cela signifie que l’espace positif et négatif doit être dans un certain équilibre. L’un ne peut pas être infiniment plus grand que l’autre, et ensemble ils doivent former une seule image. Nous parlerons davantage de l’équilibre dans la prochaine leçon. Et maintenant, votre tâche est d'apprendre à isoler ces espaces dans des scènes spécifiques, dans des photographies.
Lorsqu'on travaille sur une photographie, on est toujours limité par le cadre rectangulaire du cadre. Nous sommes libres d’utiliser l’espace qui nous est attribué à notre guise. Nous pouvons inclure certains objets dans le cadre et en laisser d’autres hors de vue. On peut choisir les personnages principaux et les mettre en valeur, ou au contraire créer des compositions abstraites ou graphiques où l'on s'intéresse au motif, à la texture ou au rythme. Cependant, quelle que soit la charpente que nous construisons, nous travaillons toujours avec l’espace. En même temps, il est très important de comprendre que l’espace n’est pas seulement un endroit où nous pouvons placer nos objets. L'espace lui-même est souvent un objet.
Il existe un tel concept - espace négatif. C'est généralement le nom donné à l'espace entourant le sujet principal d'une photographie ou d'un dessin. L'espace négatif, malgré son nom non positif, peut être très bon moyens expressifs. Avec son aide, nous pouvons réaliser diverses choses.
1. Faites respirer la photographie, remplissez-la d'air.
2. Sélectionnez un objet différent de tout le reste, en mettant l'accent sur le contraste nécessaire.
3. Créez un arrière-plan uniforme pour une séparation claire et lisible des plans.
4. Créez l’illusion d’un espace infini dans lequel vit le sujet principal de la photographie.
5. Insistez sur le contraste entre les objets incorporés à la photographie par l'auteur.
Mais surtout, l’utilisation correcte de l’espace négatif rend la photographie simple, concise et lisible. De telles photographies sont très faciles à percevoir ; elles résonnent instantanément chez le spectateur, qui peut facilement lire la déclaration du photographe.
En plus de l'espace négatif, il y a l'espace est mort. Il entoure également les sujets principaux, mais cela fonctionne exactement de manière inverse. L’espace mort est rempli de nombreux détails gênants et difficiles à distinguer. Cela gêne et obscurcit la déclaration du photographe, et la première chose que vous voulez faire lorsque vous regardez des photographies avec un espace mort est de vous en débarrasser immédiatement.
Dans cet exemple, au premier plan, il y a des buissons aux feuilles rouges, se fondant en un seul endroit continu et illisible, derrière lequel se trouve une zone d'herbe brune. Un tel premier plan n'est en aucun cas justifié, il ne fonctionne pas sur le plan de la composition, il n'est pas esthétiquement attrayant, il est bâclé et chaotique. Cet espace ne fait que distraire des belles montagnes en arrière-plan et des maisons atmosphériques des hautes terres au milieu. C'est un espace mort.
La situation est similaire dans cet exemple. La magnifique chaîne de montagnes se perd sur fond de brise-vent informe au premier plan. Le regard revient de temps à autre sur ces arbres tombés, et tente en vain de trouver l'harmonie dans tout cela. C'est semblable à l'état d'un spectateur assis dans un cinéma en train de regarder un film passionnant, mais obligé d'être constamment distrait par la conversation inarticulée de son voisin. téléphone mobile: à un moment donné, bon gré mal gré, vous commencez à écouter le murmure de l'orateur, perdant l'histoire à l'écran.
